Le fiere dell’est / The Eastern Art Fair

di/by Lavinia Filippi         Nel corso dell’ultimo decennio abbiamo assistito

Il papa ama Chagall / The Pope Who Loves Chagall

di/by Lorella Pagnucco Salvemini Roma, 13 marzo 2013. Alle 19.06 dal colo della Cappomignella Sistin

Quale arte per il Cristianesimo? / What is Art for Christianity?

di Stefano Zecchi La libertà d’espressione va difesa, ma l’arte sacra ha uno scopo specifico a

 

Le fiere dell’est / The Eastern Art Fair

aprile 11, 2013 in iNEdicola, iNRete

di/by Lavinia Filippi

 

 

 

 

Nel corso dell’ultimo decennio abbiamo assistito a un proliferare di fiere d’arte contemporanea nel Medio ed Estremo Oriente. Da Dubai a Hong Kong, passando per Delhi e Singapore, gli appuntamenti imperdibili degli amanti dell’arte si spostano verso est. Questo potrebbe essere avvenuto grazie alla sempre più spietata globalizzazione che porta a una omogeneizzazione del gusto internazionale, ma probabilmente ci sono anche altri motivi più “materiali”. Come le sfavorevoli congiunture economiche che affliggono l’Europa e l’Occidente in generale, mentre al contrario in Oriente si diffonde un crescente benessere. Non a caso, Dubai, Hong Kong e Singapore sono importanti centri finanziari internazionali.
In ogni modo, questa nuova ondata di arte è fresca, forte e affascinante e il mondo dell’arte internazionale si sposta volentieri verso Oriente per seguire un calendario sempre più serrato e interessante.
Il 2013 si è aperto con “Art Stage Singapore”, fondata e diretta da Lorenzo Rudolf, direttore di Art Basel negli anni Novanta. Alla terza edizione della fiera, lo scorso gennaio, hanno partecipato circa 120 gallerie da 23 paesi, con una maggioranza proveniente dal Sud-Est asiatico e dalla vicina Australia. “Art Stage” vuole infatti essere una piattaforma internazionale per promuovere artisti affermati ed emergenti della regione. La città stato del Sud-Est asiatico non si fa comunque mancare qualche nome del panorama galleristico internazionale, come l’italiana Galleria Continua, che dal 2005 ha una sede espositiva a Pechino, le inglesi Haunch of Venison e White Cube e la francese Galerie Perrotin.
Queste ultime due hanno aperto anche a Hong Kong nel 2012.
Meno glamour per quanto riguarda la lista degli espositori, e forse meno internazionale nell’approccio, la quinta edizione di “India ArtFair”, svoltasi a Delhi lo scorso febbraio.
Poco più di 100 gallerie di cui più della metà provenivano dal subcontinente.
Gli artisti più interessanti erano prevedibilmente gli indiani e alcuni dei Paesi vicini, come la srilankese Anoli Perera, o i pakistani Adeela Suleman e Mohammad Zeeshan.  Molto più flamboyant  “Art Dubai” che è giunta quest’anno alla settima edizione (dal 20 al 23 marzo), con 75 gallerie da 32 paesi e conferma la sua volontà di focalizzarsi su Medio Oriente, Nord Africa e Asia del Sud.
Come quasi tutte le iniziative  dell’Emirato, la fiera si tiene sotto il patrocinio del sovrano, lo Sceicco Mohammed Bin Rashid Al Maktoum, nello Madint Jumeirah che accoglie oltre allo spazio espositivo un intenso programma di mostre, performance, workshop, premiazioni e conferenze. Una sezione della fiera, “Marker”, è dedicata ogni anno alle gallerie di una realtà geografica diversa: dopo l’Indonesia nel 2012, è stata la volta dell’Africa occidentale.
La più importante di queste fiere, dal punto di vista degli espositori, degli artisti e dei collezionisti che la frequentano, è la ex “Art HK”.  Acquistata al 60% nel 2011 dal gruppo della regina delle fiere d’arte contemporanee, la svizzera “Art Basel” (che già nel 2002 aveva fondato una filiale negli USA, Art Basel Miami Beach), dalla prossima edizione – prevista dal 23 al 26 maggio 2013 – la fiera di Hong Kong diventerà “Art Basel Hong Kong”. Con circa 245 gallerie provenienti da 35 paesi, ovviamente tutte con marchio di garanzia Art Basel, questa prima edizione si preannuncia entusiasmante.
La leadership è stata confermata a Magnus Renfrew, che aveva diretto le cinque edizioni di “Art HK”. Confermata anche la volontà di mantenere un equilibrio tra Oriente e Occidente, con un 50% delle gallerie provenienti dall’Asia e dall’Australia, e un 50% dal resto del mondo, di cui ben 48 a Hong Kong per la prima volta. Non ci resta che aspettare.

***

Over the last decade we have  seen a proliferation of contemporary art fairs  in the Middle and Far East. From Dubai to Hong Kong via Delhi and Singapore, not-to-be-missed events for art lovers  have been moving east.
This might be explained by the irresistible effects of globalisation, leading to ever greater uniformity in international taste,  but there are probably other more “material” reasons. These could include the difficult economic conditions afflicting Europe and the West generally while the East, in contrast, has seen expanding economic wealth. It is no accident that Dubai, Hong Kong and Singapore are all important financial centres.
In any case, this new art wave is fresh, vital and fascinating and the international art world is more than willing to move east, following an increasingly active and interesting series of annual events.
2013 opened with “Art Stage Singapore”, founded and directed by Lorenzo Rudolf, director of Art Basel during the 1990s. About 120 galleries from 23 countries took part in this third edition of the fair last January, with the majority coming from South-East Asia and nearby Australia. “Art Stage” seeks to represent an international platform to promote established and emerging artists of the area. Even so, this city-state of South-East Asia has had no difficulty in attracting a number of internationally-known art galleries  such as “Galleria Continua” from Italy, which has had exhibition space in Beijing since 2005, Haunch of Venison and White Cube from England and the French Galerie Perrotin. The latter two galleries also opened premises in Hong Kong in 2012.
Less glamorous  in terms of its list of exhibiters  and perhaps less international in its approach, the fifth edition of the “India Art Fair” was held in Delhi last February. Just over 100 galleries took part with more than half originating from the Indian sub-continent. Predictably, the most interesting artists on show were from India or nearby countries  such as the Sri Lankan Anoli Perera or  the Pakistanis Adeela Suleman and Mohammad Zeeshan.
“Art Dubai” is much more flamboyant in character  and this year marked its 7th edition (from 20 to 23 March) playing host to 75 galleries from 32 countries. It has continued in its mission to concentrate attention on the Middle East, North Africa and South Asia. As with almost all initiatives based in the Emirate, the fair was sponsored by its sovereign, Sheik Mohammed Bin Rashid Al Maktoum, in the Madint Jumeirah which, in addition to the exhibition spaces included an intense programme of exhibitions, performances, workshops, awards and conferences. “Marker” is a section of the art fair devoted to providing visibility for galleries from a different geographical area each year. In 2012 it was Indonesia, this year has been the turn of West Africa.
From the point of view of the exhibiters, artists and collectors who attend these fairs, the most important is  what used to be called “Art HK”. 60% of the fair was acquired in 2011 by the group responsible for the queen of contemporary art fairs, the Swiss “Art Basel” which had set up a US subsidiary Art Basel Miami Beach as early as 2002. The next edition of the Hong Kong fair will be held from 23 to 26 May 2013 but with the new name “Art Basel Hong Kong”. There will be about 245 galleries from 35 countries, all obviously with the Art Basel brand as guarantee. This first edition of the new fair promises to be highly stimulating. It has been confirmed that the director of the five previous “Art HK” fairs, Magnus Renfrew, will remain in charge. The desire to maintain a balance between east and west has also been confirmed, with 50% of galleries coming from Asia and Australia and 50% from the rest of the world of which 48 will be participating in Hong Kong for the first time. Now we only have to wait.

 

 

 

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Il papa ama Chagall / The Pope Who Loves Chagall

aprile 11, 2013 in Editoriale, iNEdicola, iNRete

di/by Lorella Pagnucco Salvemini

Roma, 13 marzo 2013. Alle 19.06 dal colo della Cappomignella Sistina si leva la fumata bianca. Da una piazza San Pietro gremita di folla sale un boato di giubilo, di commozione, di trepida attesa.
Chi avrà scelto lo Spirito Santo? Il potente cardinale Scola, uno dei due esuberanti americani, il brasiliano. O non toccherà un papa nero? Per carità, mica per ragioni razziste – si precipita a chiarire un fedele -  è per quella brutta profezia che fa coincidere la fine della Chiesa con un pontefice di colore. Del resto, un papa nero esiste già, il capo della Congregazione dei gesuiti – aggiunge una signora, evidentemente ferrata in materia. E se il vaticinio fosse da intendere riferito all’ordine religioso, anziché al colore della pelle? – deduce preoccupato un ragazzo a fianco.  Sarà per questo  che non è mai stato eletto un gesuita – concludono tutti e tre sollevati. Ma c’è chi dissente: un anziano signore cita Claudio Rendina, scrittore vaticanista, che indica un precedente in Gregorio XV (oltretutto committente della secentesca Chiesa di Sant’Ignazio di Loyola dedicata al fondatore della Compagnia di Gesù). A un altro, con spiccato accento veneto e un certo orgoglio, pare di ricordare che nel settecento anche Papa Rezzonigo lo fosse.
Interrogativi premonitori. “Nuntio vobis gaudium magnum:  habemus papam. Eminentissimum ac reverendissimum… Cardinalem Jorge Mario Bergoglio”. Un gesuita, per l’appunto, che, tuttavia, decide di chiamarsi Francesco. Spetterà a lui, come nel Sogno di Innocenzo III affrescato da Giotto ad Assisi, reggere la colonna della Chiesa che si sgretola. Il neoeletto pontefice argentino, venuto “dalla fine del mondo” per scongiurare la fine del mondo, è un soldato di Gesù che si comporta da francescano. In questo ossimoro sta la sua forza. Un combattente con un sorriso dolcissimo sulle labbra, un povero assurto allo splendore del soglio pontificio che si presenta con scarpe logore e al collo un crocifisso di ferro. Rinuncia alla mantellina rossa bordata di ermellino, apostrofando il cerimoniere con un: ”Monsignore, la metta Lei. Il carnevale è finito”. Gira in autobus, insiste per pagare il conto dell’albergo. E piace. Tantissimo, immediatamente, a tutti. In un’epoca di crisi economica mondiale, in Vaticano non avrebbero potuto scegliere di meglio. I tempi esigono adeguamento al pauperismo, eliminazione del lusso. Nessuno pensa più ai papa-re, anche se è all’ambizione smodata di costoro a cui, pure, dobbiamo la committenza di capolavori come la Sistina di Michelangelo, le Stanze di Raffaello, il Colonnato del Bernini.
Papa Francesco ama Chagall: rivoluzionario anche nei gusti artistici. Motivo in più per ben sperare.

***

Rome, 13 March 2013. At 19:06 white smoke swirls from a chimney of the Sistine Chapel. A roar of jubilation, commotion and anticipation rises from the crowd of an overflowing St. Peter’s Square.
Who would the Holy Spirit choose? The powerful Cardinal Scola, one of the two exuberant Americans, or the Brazilian contender? Or perhaps a black pope this time? “Goodness, it has nothing to do with race”, a church follower is quick to point out; “it’s in reference to that dark prophecy which predicts the end of the Church with the appointing of a black pope. Besides, we already have a ‘black pope’ – the head of the Jesuit order”, a lady adds, evidently well-versed on the subject.
“And what if the prophecy refers to religious order rather than the colour of the skin?”  – a boy beside her queries, concerned. “That must be why a Jesuit has never been elected” they conclude, all three relieved.
But some disagree: an elderly man cites Claudio Rendina, an author and Vatican expert, who points out a precedent in Gregory XV (moreover, who commissioned the Seventeenth-century Church of Saint Ignatius of Loyola in dedication to the founder of the Society of Jesus).
Another onlooker, with a marked Veneto accent and a proud air, seems to recall that in the eighteenth century also Pope Rezzonigo was a Jesuit.
Ominous questions. “Nuntio vobis gaudium magnum:  habemus papam. Eminentissimum ac reverendissimum… Cardinalem Jorge Mario Bergoglio”. A Jesuit who, nevertheless, decided to take the name Francis. As in Giotto’s fresco Dream of Innocent III in Assisi, it is now up to him to hold up the column of the crumbling Church.
The newly-elected Argentine pontiff, who has come from “the end of the world” to avert the end of the world, is a soldier of Jesus who behaves like a humble Franciscan. His strength lies in this oxymoron. A fighter with a sweet smile, a poor man who has risen to the splendour of papacy yet wears frayed shoes and an iron cross around his neck.
He shuns his ermine-hemmed red cassock and addresses the master of ceremonies: “Monsignor,  you put it on. The carnival is over”. He travels by bus and insists on paying hotel bills. And he is liked. Much-liked, straight away and by everyone.
In times of global financial crisis, the Vatican could not have made a better choice.
The times demand pauperism, the dismissal of luxury. No one thinks about the Pope-Kings, even if it is to their unrestrained ambition we also owe the commission of masterpieces such as Michaelangelo’s  frescoes in the Sistine Chapel, the Raphael Rooms, and Bernini’s colonnades.
Pope Francis loves Chagall: he is revolutionary also in his artistic tastes. Another good reason to hope.

 

 

 

 

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Quale arte per il Cristianesimo? / What is Art for Christianity?

aprile 11, 2013 in iNEdicola, iNRete

di Stefano Zecchi

Stefano Zecchi

La libertà d’espressione va difesa, ma l’arte sacra ha uno scopo specifico a cui l’artista deve sentirsi obbligato

Il nuovo pontefice, eletto dopo un evento eccezionale come le dimissioni di Benedetto XVI, dovrà affrontare problemi difficili, di cui noi abbiamo cognizione, forse soltanto, di una piccola parte. In questi anni, tuttavia, è risultata sempre più evidente una questione che può sembrare irrilevante o, comunque, secondaria: quale arte per il Cristianesimo del XXI secolo?
A nessuno sfugge l’anarchia espressiva con cui si testimonia il sacro. Chiese che sembrano capannoni industriali, sintesi kitsch di improbabili stili di un fantasioso passato, strutture asettiche confuse malinconicamente nel tessuto urbano periferico. I fedeli entrano in queste chiese e vi trovano un po’ di tutto: l’innocente cattivo gusto del parroco; il gusto intellettuale del parroco che ama l’astrattismo; qualche quadro donato da un devoto che però sarebbe stato meglio tenesse in casa sua; qualche opera bella arrivata chissà come e tristemente circondata da tanta anonimità e brutture.
Mi rendo conto di offrire un’immagine desolante, ma come sempre ci sono eccezioni: comunque, solo eccezioni. Con sincerità si deve ammettere che il disorientamento degli artisti impegnati in opere sacre è grande. C’è in proposito un testo del Concilio Vaticano II (Sacrosanctum Concilium, VII, pp. 123-25): “La Chiesa non ha mai avuto come proprio un particolare stile artistico, ma, secondo l’indole e le condizioni dei popoli e le esigenze dei vari riti, ha ammesso le forme artistiche di ogni epoca, creando così, nel corso dei secoli, un tesoro artistico da conservarsi con ogni cura. Anche l’arte del nostro tempo di tutti popoli e Paesi abbia nella Chiesa libertà di espressione, purché serva con la dovuta riverenza e il dovuto onore alle esigenze degli edifici sacri e dei sacri riti. […] Nel promuovere e favorire un’autentica arte sacra, gli ordinari procurino di cercare piuttosto una nobile bellezza che una mera sontuosità. E ciò valga anche per le vesti e gli ordinamenti sacri. Abbiano cura i vescovi di allontanare dalla casa di Dio e dagli altri luoghi sacri quelle opere che sono contrarie alla fede e ai costumi, e alla pietà cristiana; che offendono il genuino senso religioso, e perché depravate nelle forme, o perché mancanti, mediocri o false nell’espressione artistica”.
Come si può constatare – se non per elementari forme di rispetto – la libertà dell’artista è assoluta: la questione è il modo in cui viene interpretata questa libertà, generalmente usata senza troppa preoccupazione nell’esprimere il significato estetico della bellezza nelle rappresentazioni della religione cristiana. È appena il caso di ricordare quale formidabile funzione apologetica per la diffusione del Cristianesimo abbia avuto la bellezza nell’arte sacra. Il più grande teologo cattolico contemporaneo, Hans Urs Von Balthasar, ha scritto un’opera colossale, Gloria. Un’estetica teologica, per dimostrare il valore decisivo della bellezza nella cultura moderna, in particolare nel Cristianesimo. Mi sembra che il suo insegnamento sia stato disatteso, oppure, con minore pessimismo, si può sostenere che il problema di come rappresentare dal punto di vista estetico le forme della religione cristiana rimanga presente e controverso.
Avremo dal nuovo pontefice qualche indicazione in proposito? Certo la libertà degli artisti va difesa; ma l’arte sacra ha uno scopo specifico a cui l’artista deve sentirsi obbligato. È grottesco pretendere libertà espressiva per esaltare il proprio narcisismo, piuttosto la libertà sia usata per dare originale intensità emotiva e bellezza a un’opera che ha la funzione di testimoniare la verità cristiana.

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Freedom of expression should be defended but religious art has a specific aim to which the artist should feel a sense of duty

The new Pope who will be elected after such an exceptional event as Benedict XVI’s resignation, will have to address some thorny issues, of which we may be only partly aware.  Nevertheless, in latter years a question, which may seem irrelevant or secondary, has made its way increasingly to the fore: what is art for 21st century Christianity?
The expressive anarchy with which the sacred is attested does not escape anyone’s notice.  Churches that seem like industrial warehouses, kitsch syntheses of improbable styles of an imaginary past, sterile structures melancholically confused within the fabric of urban outskirts.  The faithful enter these churches and find a bit of everything: the priest’s innocent bad taste; the intellectual taste of the priest who loves abstract art; some paintings donated by a churchgoer that would be better left at home; the occasional beautiful artwork the arrival of which is unclear and which is now sadly surrounded by so much anonymity and ugliness.
I realise that the image I offer is desolate. As always, there are exceptions. They are, however, merely exceptions.  With all sincerity it must be admitted that there is huge disorientation among the artists who produce religious art.  In such regard, noteworthy is a phrase by the Second Vatican Council (Sacrosanctum Concilium, VII, p. 123-25) stating that “The Church has never had a particular artistic style of its own but, according to the nature and conditions of the people and the demands of the various rites, it has accepted the artistic forms of every era, as such creating an artistic treasure over the centuries that should be preserved with utmost care. May also the art of our times and of all peoples and countries have freedom of expression, provided it serves with due reverence and due honour the requirements of the holy buildings and rites. […] By promoting and fostering authentic religious art, may the ordinary try to find a noble beauty as opposed to a mere sumptuousness.  And this applies also to the sacred ordinances and vestments. May the bishops ensure to keep those artworks that go against the Christian faith, tradition and compassion away from the house of God and other sacred places; and keep away those that offend genuine religiousness because they are depraved in their forms or mediocre, false or lacking in artistic expression”.
As we can see – if not purely as a form of respect – the freedom of the artist is absolute: the question revolves around the interpretation of such freedom. Generally it is used without much concern for the way the aesthetic meaning of beauty in Christian religious representations is expressed. It is hardly necessary to recall the formidable apologetic function the beauty of religious art had on the diffusion of Christianity.
The greatest contemporary Catholic theologian, Hans Urs Von Balthasar, wrote a colossal essay, The Glory of the Lord: A Theological Aesthetics, to show the decisive value of beauty in modern culture, in particular in Christianity.  It seems to me that his teachings went unheeded, or, less pessimistically, one can suggest that the problem of how to represent the forms of the Christian religion from an aesthetic point of view remain present and controversial.
Will the new Pope provide some indications in this regard?
Of course the freedom of artists must be defended but religious art has a specific aim to which the artist should feel a sense of duty. It is grotesque to try to sell one’s own narcissism as “expressive freedom”; rather, may freedom be used to provide original emotional intensity and beauty to artwork that has the function of affirming the Christian truth.

 

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Ad occhi aperti / With Open Eyes

aprile 11, 2013 in iNEdicola, iNRete

INTERVISTA IMPOSSIBILE (MA NON TROPPO) A VIRGILIO GIUDI
di/by Deianira Tolema

Mi sono deciso a ritornare con la mente e con gli occhi nello studio di Virgilio Guidi in Ca’ Vallaresso, dopo più di trent’anni dall’ultimo incontro avvenuto proprio in quelle stanze, quando tre volte al mese, per una lunga stagione negli anni Settanta, salivo nel grande salone col pavimento di legno affacciato sul mare, sull’isola di San Giorgio, sulla luce della laguna, per seguirlo silenziosamente durante il lavoro, o per chiacchierare con lui nella sua stanza, con il letto in attesa che il maestro vi si stendesse, anche senza prendere sonno; o per ritirare le testine, i limoni, le marine, che aveva eseguito per me, e che la baronessa Miretti Graff mi preparava per la consegna, con i distanziatori di sughero utilizzati per proteggere il colore fresco.
Su tutti i dipinti, sul retro della tela, Guidi apponeva la dedica “Per il signore Giovanni Granzotto”, li datava e li firmava; ed erano quadri sempre tutti venduti, già prenotati…

***

AN IMPOSSIBLE (PERHANDS NOT) INTERVIEW WITH VIRGILIO GUIDI

I decided to return with mind and eyes to Virgilio Guidi’s studio in Ca’ Vallaresso, Venice, after more than thirty years since I was last in those same rooms, when three times a month for a long period in the seventies I would go into his large living room with a wooden floor overlooking the sea and the island of San Giorgio, bathed in the lights of the lagoon, to silently follow him while he worked, or chat to him in his room, where the bed lay in wait for the maestro to stretch out on it, even if he did not sleep; or to put away the small heads, lemons and seascapes he had painted for me, which Baroness Miretti Graff would prepare for me for delivery with cork spacers to protect the fresh paint.
On all the paintings, on the back of the canvas, Guidi placed a dedication that read: “For Mr Giovanni Granzotto”, and he would date and sign it; and those paintings were always already booked and sold.


 

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L’eleganza della forma / The Elegance of Form

aprile 11, 2013 in iNEdicola, iNRete

A COLLOQUIO CON MARK KOSTABI
di/by Deianira Tolema

Nelle sue opere, colori primari o complementari accendono le atmosfere delicate di ristoranti e gallerie, facendo risplendere le pareti d’una luce da palcoscenico astratta e surreale. La percezione è indirizzata verso un’inconsueta commistione di elementi sacri e profani, immagazzinati sul piano recondito dell’assimilazione estetica e intrisi dell’ironica narratività religiosa dei dipinti caravaggeschi o della comunicatività universale delle storie bibliche, dei manifesti liberty, delle serigrafie pop. Tutti elementi raccordati da contrasti concettuali ed equilibri tonali alternativamente essenziali e ridondanti, armoniosi e stridenti nel modo sottile, ma intelligibile, che è proprio dei messaggi ad ampio raggio di natura visiva; delineando, con figure semplici e lineari, il confine tra forma e figurazione….

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AN INTERVIEW WITH MARK KOSTABI

In his works, primary or complementary colours light up delicate restaurant and gallery interiors, making the walls stand out under a surreal and abstract stage light. Our senses are pulled towards an unusual mix of sacred and secular elements gathered together upon the mystical plain of aesthetic assimilation and infused with the ironic religious narratives of Caravaggio’s paintings or the universal communicative force of biblical stories, of Art Nouveau posters, of pop art silk-screens. All these elements are linked by conceptual contrasts and tonal symmetries in turn essential and superfluous, harmonious and jarring, in a subtle but intelligible way that is particular to wide-reaching visual messages; outlining the boundary between form and representation with simple, linear figures…


 

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