C’è un momento preciso, nelle sere d’estate veronesi, in cui il crepuscolo smette di essere un mero dato astronomico e diventa un decisivo fattore estetico. Le roventi pietre millenarie dell’Arena di Verona si accendono delle luci di migliaia di candeline e il palcoscenico all’aperto più grande del mondo si prepara a compiere il suo miracolo: fondere la verticalità del mito musicale con l’orizzontalità dello spazio visivo. Se per decenni il melodramma ha trovato nell’anfiteatro la sua culla monumentale, gli ultimi trent’anni hanno segnato una rivoluzione silenziosa ma significativa e profonda.
L’Arena non è più solo il Tempio della ricostruzione storica e dei kolossal tradizionali, ma si è trasformata in una monumentale tela bianca su cui si sono espressi registi-scenografi-artisti che hanno importato la sensibilità dell’Arte Contemporanea, scardinando l’idea che l’opera lirica fosse un vetusto museo ormai polveroso.
Tradizionalmente, parlare di scenografia all’Arena evoca le immense architetture di Franco Zeffirelli – i suoi ori egizi, le sue piazze di Siviglia pullulanti di vita, capaci di rapire ed ipnotizzare lo sguardo. Ma la sfida del contemporaneo negli ultimi tre decenni ha percorso una strada parallela: non più riempire lo spazio, ma interpretarlo e reinterpretarlo.
Un esempio straordinario di questa transizione è rappresentato dal lavoro di Hugo De Ana. Con la sua sensibilità vicina alle installazioni d’avanguardia, De Ana ha dimostrato come lo spazio areniano potesse piegarsi a concetti visivi inediti ed audaci. Indimenticabile, ad esempio, il suo “Nabucco” del primo nuovo Millennio, dove le masse di ebrei e babilonesi si muovevano tra giganteschi frammenti e rovine di sculture semidistrutte, trasformando il palcoscenico in un deserto della memoria che ricordava le opere di maestri della Transavanguardia (Sando Chia, Mimmo Paladino) o della scultura di stampo concettuale (Giuseppe Spagnulo, Luciano Fabbro).
C’è un aneddoto curioso che i tecnici dell’Arena ricorderanno ancora riguardo ai suoi allestimenti: la gestione dei materiali. Spostare enormi elementi metallici o specchianti sulle gradinate di pietra richiese una precisione millimetrica e una logistica quasi ingegneristica; tanto che i costruttori delle scene dovettero inventare sistemi di ancoraggio speciali per evitare che le forti raffiche di vento estivo trasformassero le opere d’arte in pericolose ed aggressive vele.
Ma se c’è un punto di svolta recente che ha sancito il matrimonio definitivo tra Opera e Arte Contemporanea, e questo punto porta il nome di Stefano Poda. La sua “Aida” di cristallo, concepita per il centesimo Opera Festival e riproposta con straordinario successo, ha letteralmente azzerato l’immaginario collettivo delle piramidi di cartapesta e resina. Poda ha eliminato ogni riferimento realistico all’antico Egitto, sostituendolo con un’installazione monumentale dominata da una gigantesca mano d’acciaio meccanica modellata da specchi, laser e trasparenze. L’antico e faraonico Egitto zeffirelliano è diventato così un non-luogo luminoso e “dechirichianicamente” metafisico podiano; un rito collettivo dove i costumi riecheggiavano sculture di haute couture.
L’aneddoto qui si sovrappone al poetico: durante le prime rappresentazioni, i riflessi dei laser sulle superfici specchianti del palcoscenico crearono un effetto d’ottica tale, per cui gli spettatori dei settori più alti videro il firmamento e le stelle reali fondersi con le luci dello spettacolo, annullando il confine tra cielo e teatro; tra finzione e realtà.
Non dimentichiamo che in questo monumentale spazio visivo si sono espresse le voci dei più grandi artisti della lirica mondiale. Cantare all’Arena, immersi in scenografie ed opere d’Arte così imponenti, richiese non solo doti vocali d’acciaio per sovrastare l’acustica indomabile di un palcoscenico all’aperto, ma anche una presenza scenica al limite dello statuario. Negli ultimi decenni, monumenti del canto come Plácido Domingo, la divina Maria Guleghina, fino ai divi odierni come Jonas Kaufmann, Anna Netrebko e l’italiano Francesco Meli, hanno dovuto rimodulare il proprio corpo e la propria recitazione per dialogare con queste “sculture semoventi”, diventandone un tutt’uno.
L’Arena di Verona ha sempre dimostrato dunque, così come dimostra oggi, che l’Opera lirica non è un genere del passato, ma un’Arte totale in continua evoluzione e sovrapposizione. Quando la musica incontra la visione del contemporaneo, l’anfiteatro smette di essere un semplice contenitore di pietre e diventa esso stesso parte dell’opera d’arte, un luogo dove il tempo si ferma e la bellezza, l’estetica αἴσθησις (aísthesis) semplicemente, accade.
Arena Opera Festival 2026
12 giugno 2026 – 12 settembre 2026
Arena di Verona
Immagine di copertina: La Traviata 2026 – Courtesy of Fondazione Arena © Ennevi Foto
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