Diversi artisti della scena scaturita dalla street art, dopo la “fine” dell’onda rivoluzionaria e creativa del movimento avvenuta all’incirca nel 2009, oggi evolutasi in Urban Art, hanno saputo rimanere coerentemente collegati a un’arte pubblica, effimera, fatta in strada e accessibile a tutti, seppure con naturali sviluppi e visibilità nel mondo delle arti più tradizionali e del collezionismo.

Qui mi prendo liberamente il diritto, arbitrario o meno, e l’onere-onore di indicare alcuni dei nomi più promettenti che hanno acquisito a pieno titolo un posto di primo piano nella scena delle arti contemporanee.

Sand – the Old Dirty Vandal ci ha sorpresi nel 2021 con un grande e imponente murale fatto sui muri liberi di via Pontano a Milano, una delle gallery di Urban Art più note, hall of fame della sua crew, la storica DCN. La capacità di unire writing e street art ci fa ben sperare in un connubio tar le due “correnti” principali delle arti in strada.

Sand nasce a Milano nel 1978. La sua arte non è accademica, ma nasce nelle strade e nei tunnel della metropolitana. Sin dal 1993 i suoi graffiti contribuiscono a questa nuova e irriverente forma di creatività chiamata inizialmente street art, e nel suo caso specifico writing oggi divenuta Urban Art. La sua opera non è ferma in un museo, ma si muove sui treni del nord Italia e la si può trovare nelle strade di diverse città.

Potremmo definirla arte per tutti, accessibile, che piaccia o no e a volte erroneamente etichettata come vandalismo. Questo tipo di espressione artistica, al confine tra legalità e illegalità (meglio definirla spontaneità) vede Sand come uno dei suoi più amati protagonisti, grazie alla sua continua ossessione della ricerca e evoluzione delle lettere “lettering” e “style” facenti parte dei suoi graffiti.

Oggi si sta facendo un nome anche nel mondo dell’ arte contemporanea estrapolando la sua ricerca quasi trentennale su tele e statue in marmo Ozmo. Tra i pionieri della street art nel nostro Paese, Ozmo viene ispirato per ogni sua opera dal contesto e dalla città in cui si trova.

I murales di Ozmo sono spesso impegnati a livello politico o di tema sociale, a volte prove di stile, il suo realismo colpisce e affascina al primo sguardo. Già dai tempi del noto San Antonio Rock Squat (Garigliano, quartiere Isola, Milano) negli anni Novanta fu uno dei primi street artist ad entrare nel mondo delle gallerie d’arte, invertendo una tendenza che oggi vede molti artisti fine art cercare di esibirsi con grandi murales.

Oggi, Ozmo alterna Urban Art di grandi dimensioni dall’ottima abilità tecnica e dal fortissimo impatto scenico, a mostre in musei e gallerie: l’ultima, in corso fino al 30 gennaio a Pietrasanta, curata da Alessandro Romanini presso lo spazio espositivo The Project Space – ex Marmi di Annalisa Bugliani.

Jorit Agoch. Quando si incontra per strada un’opera di Jorit si riconosce al primo sguardo. I suoi murales sono enormi ritratti di persone che hanno segnato la storia contemporanea, o protagonisti dei fatti di attualità, costumi e società. Tutti i protagonisti dei ritratti sono caratterizzati dalle stesse linee rosse sul volto, simbolo dell’appartenenza a una tribù, in questo caso la Human Tribe. Chi farà parte nel 2022 della tribù dei murales di Jorit, dopo Maradona, Gramsci, Mandela, Ilaria Cucchi, Pasolini, Nino D’angelo, e il San Gennaro operaio?

Peeta. Nato in provincia di Venezia, vive a Padova. Peeta si fa conoscere dal principio degli anni Novanta nella scena italiana del writing. Fa parte dell’EAD crew di Padova, dell’FX crew e dell’RWK crew, entrambe di New York. Nato e cresciuto come graffiti writer, è oggi un artista multidisciplinare attivo nell’ambito della pittura, della scultura e della Urban Art.

Le sue opere lo hanno spinto, negli anni, ben oltre i confini italiani e la sua arte, attraverso festival e mostre di risonanza mondiale, è ormai approdata in tutti i continenti. L’obiettivo delle sue composizioni (pittoriche, scultoree e murali) è l’interazione geometrica delle forme con l’ambiente circostante.

Il suo fine nel dipingere su parete, in particolare, è sempre stato quello di dialogare con il contesto confinante, architettonico o meno, secondo i parametri strutturali e culturali che lo caratterizzano. All’inizio della sua carriera, i suoi lavori cercavano semplicemente di esprimere le qualità plastiche delle singole lettere che compongono il suo pseudonimo Peeta.

Successivamente, questa fusione tra lettering puro e stile tridimensionale si è evoluta fino a creare un equilibrio compositivo visualmente ritmato. Ad oggi, tramite la pittura anamorfica che ridisegna illusoriamente i volumi delle superfici coinvolte, l’intento delle sue opere è quello di determinare una temporanea sospensione della normalità suscitando la percezione alterata di contesti familiari e dunque una nuova concezione degli spazi e della realtà tutta.

Metaforicamente, il tentativo è quello di neutralizzare i preconcetti e sollecitare la nascita di nuovi punti di vista. L’anamorfismo incarna nel modo più assoluto l’intento, da sempre presente nelle sue produzioni, di svelare l’ingannevolezza della percezione umana, attraverso giochi ottici che, partendo dal tentativo di dare una parvenza tridimensionale ad una rappresentazione pittorica, finiscono per voler svelare la loro capacità di ingannare.