Tra il 1940 e il 1950 artisti come Charlie Parker, Dizzy Gillespie e Thelonious Monk erano in grado di entrare in sintonia con le sinapsi di un artista che, spesso tra i fumi dell’alcol, si lasciava trasportare dalla rivoluzione sonora di un genere senza confini, senza limiti né regole scritte, che incarna la stessa essenza della libertà. Certamente il suo dripping incarna l’ossatura stessa di una ritmicità che veniva svelata solamente su un palcoscenico fatto di passione, in cui l’anima era messa da parte in favore del cuore, nello spirito di un bebop che sconvolse la rigidità di un’estetica della partitura che, come nelle esplosioni di Pollock, trovava una nuova linfa creativa.Pollock si muoveva attorno alla tela come un musicista sul palcoscenico, in una performance fatta non solo di emozioni, ma di sudore e sangue, di colpi di pennello sferzati allo stesso modo di una pelle Remo colpita fino allo sfinimento da una Vic Firth che si chiede se mai riuscirà ad arrivare alla fine del concerto.
Questo parallelismo è sottolineato anche da critici come Harold Rosenberg e Clement Greenberg, evidenziando come il processo creativo fosse tanto importante quanto l’opera finita. Ma l’influenza del suono sulla pittura di Pollock non si ferma al jazz: esiste un’affinità sorprendente tra il suo lavoro e la ricerca concettuale di John Cage, pioniere della musica aleatoria. Entrambi esploravano il ruolo della casualità nella creazione artistica, dissolvendo la distinzione tra artista e opera: Pollock eliminava il controllo diretto del pennello, lasciando che il colore seguisse traiettorie imprevedibili, mentre Cage utilizzava il Metodo I Ching per determinare casualmente le note nelle sue composizioni. Il loro comune interesse per la filosofia orientale, in particolare per il Taoismo e il Buddhismo Zen, li portò a concepire l’arte come un flusso spontaneo, privo di rigide strutture prestabilite.
Pollock dipingeva con movimenti istintivi, quasi una danza intorno alla tela, mentre Cage sperimentava con suoni imprevisti e interazioni tra musicista e ambiente. Il celebre 4’33” porta il silenzio a essere sezione fondamentale di una ricerca in cui lo spettatore e l’ambiente circostante influivano nello sviluppo dell’esecuzione stessa, ribaltando “L’arte dei rumori” di Russolo in una nuova “Arte del silenzio” per Cage. Il gesto era al centro della loro ricerca: per Pollock, l’atto del dipingere aveva la stessa importanza dell’opera finale, così come per Cage la musica nasceva dall’atto esecutivo e non solo dalla partitura. Questa rivoluzione del processo creativo aprì nuove strade per l’arte contemporanea, influenzando movimenti successivi come la performance e l’happening.
Pollock e Cage ridefinirono i confini della loro disciplina, dimostrando che il caso e l’improvvisazione potevano essere strumenti artistici potenti. Entrambi rifiutavano il concetto tradizionale di controllo totale sull’opera, preferendo un approccio aperto e imprevedibile, in cui l’artista diventa un mediatore tra gesto, suono e materia. Così come il jazz reinventava la musica rompendo con le strutture tradizionali, Pollock e Cage rivoluzionarono rispettivamente la pittura e la composizione, trasformando il processo creativo in una forma di esplorazione continua.
Immagine di copertina: Jazz – CC0
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