Da Cremona al centro di Milano: il nuovo progetto di PQV Fine Art arriva nel cuore di Brera

La galleria PQV Fine Art cambia casa. Dopo sei anni trascorsi a Cremona, il fondatore Pietro Quattriglia Venneri ha deciso di inaugurare un nuovo capitolo spostando la sede nella metropoli milanese.

In occasione della mostra inaugurale Contemporary Archetypes siamo entrati in dialogo con lui.

Dopo sei anni di lavoro a Cremona, dentro il magnifico Palazzo Fodri, ha scelto di trasferire la PQV Fine Art nel cuore di Brera. Che cosa rappresenta Milano per lei oggi? E come ha intenzione di inserire la sua proposta nel tessuto milanese?

L’idea di passare da Cremona a Milano è legata a considerazioni di tipo aziendale. Terminato il contratto dell’immobile di Cremona mi sono trovato a un bivio progettuale; questo perché oggi il mercato è molto complicato, complice una fortissima instabilità politica ed economica internazionale.

Sicuramente l’unica città in cui vale ancora la pena fare uno sforzo e un investimento aziendale importante è, senza ombra di dubbio, Milano. Non è facile inserirsi nel tessuto milanese: ci sono colleghi che da oltre un decennio hanno piantato radici solide, sia per l’accesso alle collezioni da cui comprare, sia per i grandi clienti a cui vendere. D’altro canto, Milano ha un’identità talmente internazionale e cosmopolita che non ci sono le piccole guerre intestine di quartiere fra mercanti: è il cliente a scegliere dove andare. Al contempo, ti dà l’opportunità di presentare un’idea di respiro internazionale.

In questi vent’anni la storia del mio brand si è sempre fondata su un certo intellettualismo nella proposta. La mostra attuale a Brera, per esempio, è molto cervellotica e anche curatorialmente non è stato facilissimo metterla insieme, ma è chiaro che in una cornice come Milano questo approccio trova un riscontro maggiore rispetto ai centri più periferici.

Invece com’è stato l’impatto con il pubblico?

Abbiamo avuto un vernissage che è stato un successo totale. Sicuramente fa molto la posizione nel cuore di Milano, unita alla curiosità verso l’apertura di una nuova sede per una realtà che comunque nel mercato è conosciuta da un ventennio. A questo si aggiunge la scelta di mantenere il modulo di galleria che mi accompagna da quindici anni: un piano nobile, non ho mai avuto le vetrine su strada. Non mi è mai piaciuto il concetto di mettere in vetrina opere di old master e fine art come in un negozio di abbigliamento. C’è sempre una certa riservatezza da garantire al cliente, e lo spazio più “racchiuso” per me è sempre stato un modello vincente. Essere al secondo piano ti fa lavorare in un modo diverso, che non punta al passaggio occasionale ma sulla cura del cliente. Creiamo veri e propri eventi tailor-made sul tipo di cliente che stiamo invitando e all’opera che vogliamo proporre.

Lei si muove con disinvoltura tra i dipinti dei grandi maestri e le installazioni contemporanee, legando passato e presente attraverso similitudini. Accostare un’opera del Seicento a una moderna è solo una scelta estetica o sottintende una funzione più profonda?

Potremmo partire da una frase icastica, che ha sempre un grandissimo effetto: l’arte è tutta contemporanea. Prendiamo un artista con cui lavoro moltissimo, Stefano Bombardieri, scultore bresciano dal percorso fortemente riconoscibile. Per noi oggi è un artista contemporaneo perché si esprime nell’arco cronologico che condividiamo, affrontando temi cruciali come l’estinzione animale e quindi incarna in tutto e per tutto l’artista del nostro tempo. Ma tra il Cinquecento e il Seicento anche Caravaggio era un artista contemporaneo per i suoi contemporanei. La produzione artistica di rilievo è senza tempo, senza confini cronologici. Nell’ambito dell’antico la mia fortuna è poter accedere a capolavori in collezioni private e coordinarli con le opere contemporanee, così che la tematica scelta risulti fluida e visivamente coerente. C’è poi un’altra componente fondamentale: la clientela. Oggi, rispetto al mondo anglosassone, francese o sudamericano, l’Italia soffre di una mancata rigenerazione di nuovi collezionisti nel comparto del fine art. Il motivo? Il nostro paese continua a chiamarli “oggetti di antiquariato”. Come può un trentenne o un nuovo ricco dell’high-tech avvicinarsi a un mondo che già nel nome suona antico e antiquato? C’è un’enorme difficoltà nell’attrarre le nuove generazioni verso cose che sentono temporalmente distanti. Il modo per superare questa distanza, svelando ideologie in realtà vicinissime ai temi di oggi, è dare loro l’opportunità di avvicinarsi tramite ciò che conoscono. I grandi artisti contemporanei fungono da richiamo per i giovani collezionisti, mostrando come, attraverso una giusta coordinazione, possano coesistere perfettamente l’elefante di Bombardieri e un dipinto di Luca Giordano.

Guardando all’evoluzione del mercato dell’arte, si ha la sensazione che gli equilibri tra gallerie, case d’aste e collezionisti stiano cambiando radicalmente. Che tipo di futuro intravede per chi fa il suo mestiere oggi?

Sul futuro devo dirle sinceramente che in questo momento non posso darle previsioni, neanche a breve termine, per via della realtà che stiamo vivendo nel mercato del fine art e di parte del contemporaneo. Sarebbe interessante riprendere la storia del mercato dell’arte tra l’Ottocento e il primo Novecento: esistevano forse tre grandi gallerie a livello mondiale – Duveen, Heinemann e Knoedler – mentre il resto del mondo era fornito esclusivamente dalle case d’aste come Christie’s e Sotheby’s. Oggi la maggior parte dei flussi internazionali su opere di qualità medio-alta o altissima non è più in mano alle gallerie, ma alle case d’aste. Stiamo tornando a una situazione di inizio Novecento. Se dovessimo fare una proiezione, il numero delle gallerie dovrebbe andare ad azzerarsi, al di là dei grandi colossi. Oggi un gallerista non stra-guadagna: l’idea del gallerista che vive nel super lusso è un mito, una galleria è bravissima se a fine anno chiude con un margine del 20-30%. Questo serve innanzitutto a sostenere le sedi, i curatori, i cataloghi, la pubblicità.

Tutto ruota attorno a tre passaggi cruciali, e onerosi, per l’arte antica: l’acquisizione, lo studio e il restauro.

Oggi il gallerista è un sognatore romantico, legato a un mestiere anacronistico rispetto a un mondo che si muove su dinamiche opposte. È un outsider che non ha più la capacità di prevedere il futuro, cosa che fino a un triennio fa si faceva con tranquillità. Bisogna essere dei braveheart per tenere il colpo. 

In più, sono cambiate le dinamiche con la clientela: prima i clienti seguivano un’unica galleria di riferimento; oggi comprano ovunque, dalle piattaforme online fino alle aste tradizionali, spesso muovendosi da soli e facendo danni al proprio patrimonio. In questo mestiere non ci si inventa: si può anche essere billionaire, ma senza un advisor esperto si rischia di bruciare capitali in pochissimo tempo, perché saper leggere gli oggetti e gli andamenti del mercato richiede competenze da professionisti.

Apre il suo capitolo milanese con una mostra, Contemporary Archetypes, realizzata in collaborazione con la galleria Ipercubo; qui rompe la barriera temporale aprendo un dialogo tra le opere di Michael Gurhy, Ludovico Riviera, Guido Sarti e gli Old Masters. Ci può raccontare meglio l’anima del progetto?

All’interno dello spazio di Brera convivono tre realtà. Abbiamo PQV Fine Art, che si occupa di Old Master, Fine Furniture e Work of Art. C’è poi Ipercubo, un punto di riferimento da quasi un decennio nella scoperta e supporto di artisti emergenti. E infine, Mirabilia Auctions, casa d’aste che ha scelto Milano per la sua sede operativa facendo un po’ da ideale raccordo fra le due gallerie, divenendo il vertice di questo “triangolo”.

Per la mostra inaugurale, insieme a Ipercubo abbiamo deciso di riprendere un format che ci aveva già visti uniti dieci anni fa, nel 2016, al Teatro del Silenzio di Lajatico nell’ambito della sua offerta culturale estiva. Lì avevamo inaugurato la nostra collaborazione con la mostra Contemporary Archetypes, allora interamente dedicata al contemporaneo. Dieci anni dopo il destino ha voluto che ci rincontrassimo a Milano per riproporre quel format, ma con una filologia diversa: abbiamo individuato quattro archetipi di Jung – l’amante, il caregiver, il creatore e il rivoluzionario. Ipercubo ha selezionato tre artisti contemporanei: Ludovico Riviera, Guido Sarti e Michael Gurhy. Accanto a queste opere create per l’occasione, sono andato a intercettare nella collezione della galleria e tra i nostri collezionisti le opere antiche che potessero combaciare esattamente con i quattro archetipi. Un po’ come dicevano i Led Zeppelin, sono tutti bravi a trovare una musica e metterci sopra le parole; la parte difficile è trovare prima le parole e poi metterci la musica giusta. Intorno al concetto curatoriale deciso a tavolino, abbiamo selezionato – non senza difficoltà – le opere ideali per costruire una filologia coerente.

Guardando ai suoi progetti passati, spicca nitidamente il suo ruolo di speaker ufficiale per Artnovation: The Rock that Remembers. In quel contesto, ha unito antico e contemporaneo facendo dialogare le radici storiche europee e africane. In che modo è riuscito a far convergere queste due visioni?

Non è un link facile da creare, anche perché soffriamo di un forte eurocentrismo: abbiamo avuto Giotto, Caravaggio, Rubens, Van Dyck, abbiamo un ego europeo molto sviluppato. In un momento di fortissima ascesa culturale dell’elemento africano, è però importantissimo segnalare, in piazze ricettive come Milano, che al di là delle evidenti differenze iconografiche, parliamo del frutto dello stesso seme. Se paragoniamo una scultura devozionale o divinatoria nigeriana del XVI secolo a una di Giambologna, a un primo sguardo una può sembrare la preistoria e l’altra un’evoluzione spasmodica, ma la matrice è la medesima. Per cogliere questa contiguità intellettuale occorre fare un passo indietro rispetto al nostro egoismo europeo e immergersi nell’evoluzione artistica africana, un percorso affascinante e ricco di punti di contatto, persino tecnici e tecnologici. Anche lì si fondeva il bronzo, si scolpiva il legno e si creavano opere destinate ai diversi ceti sociali, secondo categorie del tutto analoghe a quelle dell’arte occidentale. L’Africa ha oggi l’opportunità di farsi conoscere grazie a figure di spicco che muovono verso l’Europa e quando si riesce a provocare uno scontro culturale positivo, nascono iniziative di straordinario valore.

Lei ha parlato del suo lavoro come strutturato in tre momenti: scoperta, cura e studio; con l’avvento ormai dilagante dell’intelligenza artificiale pensa che questi strumenti possano abbattere i costi di studio delle opere o per lei rimane ancora fondamentale la figura dello studioso?

Per quanto riguarda l’arte antica, l’intelligenza artificiale non potrà mai soppiantare lo scholar, perché le manca una qualità fondamentale: essere un connoisseur. Una figura che allenando continuamente l’occhio nei musei, nelle chiese e nelle collezioni private sviluppa la capacità di leggere un quadro riconoscendo i tratti specifici di un autore. È il vecchio metodo morelliano: imparare a riconoscere quei segni ripetitivi che funzionano esattamente come una grafia personale, impossibile da contraffare persino alla prova scientifica. L’intelligenza artificiale ha una memoria fotografica infinita, ma non potrà mai avere l’occhio del connoisseur, perché la differenza sta in come si mettono insieme i dati. Qualche mese fa, mi sono imbattuto in una presunta nuova attribuzione a Leonardo, credo generata dall’intelligenza artificiale, e mi sono sentito rasserenato: non c’era niente di più distante da lui. Sono convinto che per i grandi maestri nessuno potrà mai sostituire lo studioso, che può avvalersi dell’intelligenza artificiale come supporto, ma filtrando sempre le informazioni attraverso la propria sensibilità visiva. Lo stesso vale per l’arte contemporanea: non potrà mai soppiantare i presidenti delle fondazioni d’artista; il suo margine d’azione resta ristretto. Se da un lato questo ci fa sentire “salvi”, dall’altro è un po’ triste, perché chi sviluppa l’intelligenza artificiale non la applica in modo organico al nostro mercato, forse perché non lo conosce o non lo considera importante. A differenza della finanza o della chirurgia, dove l’intelligenza artificiale ha invaso il lavoro per garantire risparmi e profitti immediati, nel nostro settore gli investitori non puntano su questi strumenti, pur trattandosi di un mercato che muove capitali immensi.

Tornando a parlare di lei, quali progetti ha in serbo per questa nuova era della galleria PQV Fine Art?

Avremo sicuramente un evento natalizio dove accoglieremo un numero ristrettissimo di nostri clienti, un’opportunità per vedere le ultime acquisizioni.  Per quanto riguarda l’anno 2027, abbiamo in mente di iniziare con delle collaborazioni con grandi brand sia per la fashion week sia per la design week, ospitandoli in galleria. Il nostro obiettivo è quello di aprire la galleria a tutti quelli che vogliono vivere un luogo d’arte: grandi corporate, professionisti, aziende che desiderano trovare un punto di riferimento e d’incontro.

Oggi Brera è diventata un luxury district; noi vogliamo creare relazioni di prossimità con le case d’aste e gli artisti, permettere a Brera di ritornare a essere non solo un distretto del lusso per il collezionista internazionale, ma anche il vero e proprio cuore pulsante dell’esperienza artistica meneghina.

Michael Gurhy, Ludovico Riviera e Guido Sarti in dialogo con gli Old Masters
Contemporary Archetypes
01 ottobre 2026 – 20 novembre 2026
Ipercubo – PQV Fine Art, Milano

www.ipercubo.eu
@pqvfineart

Immagine di copertina: Pietro Quattriglia Venneri, ph. Federico Quartiroli

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